Mortad… La historia de las videoconsolas

Esperemos que tras los exámenes de febrero escoria-sa vuelva a ponerse al dia, mientras tanto, se me habia ocurrido postear sobre la película «Mortadelo y Filemón. Misión: salvar la Tierra» pero no merece la pena, solo un consejo «NO SE OS OCURRA IR A VERLA AL CINE «, ni siquiera os la bajeis en screeaner. Una vez dicho esto os dejo un link a la entrada en la wikipedia donde se hace un recorrido por la vida de las videoconsolas (soportes, generaciones,..). El documento no tiene desperdicio y del mismo se puede sacar muchos comentarios y observaciones. Ahora mismo no tengo tiempo de expandirme en este post, pero no queria dejar pasar la oportunidad de dejar estos dos enlaces:

Historia de las consolas segun la wikepida.

Las 10 mejores patentes en el mundo de las videoconsolas

Én la útlima patente sale la primera videoconsola reconocida como tal, la Magnavox Odyssey. Las imágenes y comentarios no tienen desperdicio.

Jungle Wa Itsumo Hare Nochi Guu

En su día dije que Furi Kuri era una de mis series favoritas, y dejé a la otra en el aire. Bien, para conmemorar que mi DVD por fin ha vuelto a mi poder, he decidido escribir sobre el otro pilar donde se sostiene mi lado otaku: Jungle Wa Itsumo Hare Nochi Guu (que a partir de ahora pasaremos a llamar sólo Hare + Guu).

Por enésima vez, éste es un anime salido de las páginas de un manga, esta vez publicado en la revista Shonen Gangan y salido del puño de Renjuro Kindaichi. Y ya estamos en lo de siempre: que si se hace famosa, que si vamos a sacarnos unos yenes… El caso que sale una primera temporada de 26 capítulos en 2001, una segunda temporada de 6 OVAs en 2002 y una tercera de 7 OVAs en 2003, y con posibilidad de otra más. Mientras tanto, la serie sigue abierta, paralizada en 16 volúmenes. El anime está más avanzado que el cómic, pero ya desde un principio se notan diferencias de guión, dando más importancia a unos y otros dependiendo del formato.

Hare + Guu está localizado en alguna isla tropical, con un muchacho de 10 años llamado Hare viviendo una vida ordenada y pacífica; vueno, sólo en parte, porque su madre, que está soltera, suele pasarse con su consumo de alcohol y no hace caso a las labores domésticas. Un buen día, llega a su casa una niña encantadora que apareción de repente en la jungla y que su madre ha adoptado. Su nombre es Guu, y parece tan guapa y dulce… pero sólo unas horas, porque pronto se muestra ante Hare como una chica extraña, cínica, cruel, con un extraño gesto en la cara y un divertimento raro: hacer la vida imposible a Hare.

Es a partir de aquí donde los planteamientos más surrealistas empiezan a sucederse sin parar. Si ya parecía rara Guu, los siguientes capítulos no despejarán para nada su procedencia, se descubrirán cosas de ella impensables, hará pasar mal a Hare, etc. Y Hare, el pobre, lo intenta llevar lo mejor que puede. Todo ello está regado por un buen elenco de secundarios de lo más variopintos, que ayudan a crear un perfil de la aldea y que colaborarán siempre en los momentos más descabellados. Desde mi punto de vista, la más entrañable de todos ellos es Weda, a madre de Guu, irresponsable, alcohólica, inconsciente, pero con una historia bonita y buen corazón.

La calidad de la animación es bastante buena. La verdad que para este tipo de animes, de humor digo, muchas veces se abandona la calidad de las ilustraciones y de los fondos en pos de un buen guión. En este caso, quizá al estar ambientado en una jungla, todos sus elementos están muy bien representados, y alcanza un nivel artístico reseñable. Los personajes no van andando a saltos (una ve cada cosa…) y el colorido es muy apropiado en cada momento; otra cosa no será, pero no han escatimado en colorines.

Hare + Guu es una serie que levanta opiniones enfrentadas: o la odian o la adoran. Esto tiene mucho que ver con el tipo de humor que le guste a cada uno. Si se busca algo racional y cultureta, no es para ti. Si te gustó Furi Kuri o prefieres el mundo sinsentido, es obligado su visionado.

Desde mi punto de vista, esta es la serie con la que más me he reído en mi vida, y de hecho me vi la primera temporada en menos de dos días (¡niños, no lo hagáis en vuestras casas, es peligroso!). Adictiva, siempre sorprende, tienes empatía con los personajes, MUY adictiva… Que en algunos momentos te quedas con cara de WTF!, pero oye, ahí también radica la gracia, no?
Sólo decir algo más: PUKUTEEEEEEEEEEEEEEEEEEEEEEEEEEE      

Elfen Lied

Preparaos para lo que os traigo. Despedíos de la calidad ilustrativa, de animación y de guión. Estamos ante un anime fallido, ante Elfen Lied. Mi vena de mala leche saldrá a flote en esta crítica, y a más de uno lo voy a dejar pati-difuso si conoce mi trayectoria en este humilde blog. Y ni su enorme e injusta masa de fans puede convencerme de todo lo que voy a soltar por este teclado.

Pero no nos precipitemos, sigamos el protocolo. Elfen Lied es otro anime adaptado de un manga exitoso, creado por Lynn Okamoto en el 2002 en Young Jump y recopilado en 12 tomos. Las prisas por elaborar un producto afamado hizo que los animadores se anticiparan al final legítimo del manga, variando ciertos aspectos de la trama y del desenlace. Esperemos que el cómic no se asemeje mucho al resultado animado… El caso, que para el bien de la humanidad la animación se quedó en 13 capítulos más OVA.

El cotarro va de una chica muy extraña que se escapa de unos laboratorios matando a los que la custodian y sin usar las manos: parece ser que maneja poderes telequinéticos. A punto de conseguir la libertad, una bala rompe el casco que (sólo) lleva, hiere su cabeza y cae inconsciente al mar. Ya en la playa, es rescatada por Kouta y Yuka, primos, y ¡sorpresa! la chavala tiene unos pequeños cuernos, es adorable y sólo sabe decir nyu. Mientras los primos protegen a la chica, los del laboratorio empiezan una exhaustiva búsqueda…

Los primeros 10 minutos del primer capítulo son salvables. Posee un salvajismo delicioso ver cómo la sangre brota a borbotones del personal del laboratorio, su angustioso empeño de que el extraño ser no salga del edificio. A partir de ahí, nada. N-A-D-A. Caemos el los tópicos del amor secreto, del secreto de la protagonista, del secreto del secreto…, intentano atrapar la atención donde sólo hay aburrimiento. Y cómo no, la protagonista tetuda y moooooona al más sentido otaku, dando brincos y diciendo nyu por todos lados; acabé odiándola. ¡Oh, hay sangre, algún que otro pecho, muertes, viva el gore!

La animación es carente de todo. La paleta de colores peca de austera e insulsa, con manchas en vez de relieves. Los trazos son torpes a más no poder, que parece que toda la serie ha sido perfilada con el edding más gordo que encontraron en la papelería. Los fallos se notan mucho más en los planos de conjunto, donde las personas no tienen piernas ni brazos, sino tiras uniformes de plastilina. Qué contar sobre la manera que tienen de moverse los personajes, a un paso de ir a tropicones. Blasfemo.

Bueno, no todo es bazofia. Los openings y endings son esquisitos. Según he leído las imágenes son calcos de la obra del pintor austriaco Gustav Klimt, y la música de una canción alemana titulada Elfenlied. Se intenta imitar el canto gregoriano y la letra está inspirada en citas y personajes de la Biblia, aparte de estar escrito en latín. No pega ni con cola con el anime, pero es reconfortante encontrarse con ese oasis.

Para terminar, sólo tres palabras: ¡no la veáis!

«Marina» de Carlos Ruiz Zafón

Libro

Número de páginas: 286

Autor: Carlos Ruiz Zafón

Año de publicación: 1999

 

Para los que no lo sepan, Carlos Ruiz Zafón es el artífice de La Sombra del Viento, su última novela, que además, lo catapultó a la fama de una manera desorbitada y que, como no, ha logrado que se reediten sus obras anteriores, esta, es una de ellas.

Óscar Drai es un joven que vive en un internado. Cansado del aburrimiento y las limitaciones que imperan en el lugar decide aprovechar las horas que le concede la tarde para explorar las calles de Barcelona. Durante uno de sus periplos encuentra un caserón abandonado que decide explorar. Allí es sorprendido por los dueños de la casa y en su huida se lleva un reloj que el romerdimiento le obligará a devolver. Así es como conoce a Marina y a Germán, que con el tiempo se convertirán en sus amigos; en su familia. Marina, decide enseñarle un viejo cementerio que ni si quiera figura en los mapas, allí encuentran a una misteriosa mujer vestida de negro con un velo tapandole la cara. La intriga les empuja a seguirla y en el ayanamiento de su casa se hacen con un albúm de fotos. Esto será el desencadenante de la persecución que sufrirán después y que les llevará a explorar sucesos acontecidos tiempo atrás entre la clase alta de la sociedad barcelonesa.

Con este transfondo se nos presenta Marina, una de las primeras obras de Carlos Ruiz Zafón y catalogada, no se hasta que punto con razón, en literatura juvenil. Porque me niego a pensar que la literatura juvenil tenga que estar, forzozamente, protagonizada por niños u adolescentes o que necesariamente tenga que tener algún toque fantástico entre sus páginas. En este caso el creo que el peso de la clasificación reside en la fantasía que destila alguna de sus páginas. Nada más. Por el resto el libro está escrito de forma sencilla y clara. Mantiene un ritmo bastante homogéneo que rara vez decae, entre eso y la historia en ciernes ayuda a que el libro sea adictivo.

Aprovecho la ocasión para mencionar que si hubiera que darle algún tirón de orejas, la verdad que no veo por donde, no sería a este libro en concreto, sino al grande, a La Sombra del Viento, ¿por qué tío, si el libro se sale? ¡¡¡Sencillo!!!. La comparación entre estos dos desvela que el señor Zafón es más bien esquemático cuando escribe, no es que escriba con plantilla pero veo que sus libros dibujan una curva parecida durante el desarrollo y sus formas. Bueno, este tirón no es para el libro, es para el autor, para el libro sólo mencionar que el final de Marina es muy superior al de La Sombra y ya ven donde está cada uno, que pena que la prosa de Marina no tenga punto de comparación con La Sombra.

Desde aquí reconozco que gran parte de la gracia que le encuentro se debe al desenlace. Eso si es un final y no el de La Sombrita.

 

Aviso: Spiler Inside. (Selecciona con el ratón)

Lo siento, me gustan los finales amargos. 😉

Hajime no Ippo

Estamos ante un anime temático, esto es, con una trama que gira alrededor de una actividad. Los hay tanto de fútbol, baloncesto, volleybol, como de peleas entre bicharracos o duelos de cartas. En estas series lo que prima es la evolución del protagonista en ese ámbito, y no tanto en el terreno personal. Es necesario saber las delimitaciones del género para poder valorar un anime como Hajime no Ippo.

La animación es posterior al éxito del manga. La primera publicación fue en la archifamosa Shonen Magacine en 1989, y hoy en día todavía no ha terminado, con 82 volúmenes recopilados. Tal éxito quizá es debido a su autor, Jyogi Morikawa, mangaka y mánager de boxeo; sabe de lo que habla. El anime data del 2000 y está compuesto por 76 capítulos.

Makunouchi Ippo es el pringao de la escuela, aparte de blanco de acoso de los macarras de turno. Su madre y él poseen una tienda de pesca que les absorbe todo el tiempo, por lo que el chico no se relaciona con gente de su edad. Camino a su casa, es agredido por los malos de clase, con la buena suerte de ser rescatado por el mismísimo Takamura Mamoru, boxeador de éxito. Éste observa que Ippo tiene cualidades para ser uno de los suyos, y es el que introduce al adolescente en el mundo de los golpes y el sufrimiento.

La trama circula alrededor de la superación física y de las peleas de Ippo. Siempre tiene una meta que alcanzar, una pelea que ganar, y se machaca para conseguirlo. Pero no todo es tan fácil, porque cada boxeador tiene una técnica, e Ippo la tiene que averiguar, crear una contratécnica y ver si da resultado en la pelea. Es ahí donde reside toda la tensión. Lógicamente, no siempre se sigue este orden para que no resulte monótono, e incluso no siempre se encuentra con dificultades, o con unas imposibles de solucionar.

Las peleas son el momento de mayor clímax. Se piensa con el protagonista, se golpea con él, se sufre con él. Cada puñetazo está premeditado, alejándose de la violencia absurda. Cada bocanada de aire es la vida. Y todo esto es posible narrarlo  en dos capítulos máximo, sin necesidad de caer en el síndrome Oliver y Benji.

La animación podría ser mejor. No se presta atención a los fondos, o a la ambientación, lo suficiente como para hablar de una gran obra. A veces los movimientos de los personajes en planos de conjunto son torpes, moviéndose en un mundo estático donde la gente está parada. Los colores son manchas, recurriendo a tramas para las sombras.

A pesar de todo me gusta. Me hace olvidar los defectos y mantenerme en vilo con las aventuras de un chico bastante buena persona, aderezado con secundarios con más vidilla que él (nadie es capaz de olvidar a Takamura Mamoru y sus travesuras…). Lo que más deseo: jugar a la adaptación del anime para la consola Wii, en exclusiva.

FullMetal Alchemist

El que no conozca esta serie no vive en este bendito mundo. Desde mi punto de vista, FullMetal Alchemist y Naruto representaron en su día un resurgir de la comunidad otaku española, con la pequeña diferencia que la primera da cien mil vueltas a la segunda. Qué le vamos a hacer, el anime no es perfecto.

Concebido inicialmente como sólo cómic, en España nos llegó antes el conocimiento de la exixtencia del anime gracias a los fansubs. En Japón el manga ya tuvo un éxito apabullante, por eso la empresa de animación Bones decidió emprender la adaptación. El problema fue el de casi siempre: el manga no ha terminado, así que se vieron obligados a elaborar un final alternativo y a ajustar la duración de la serie a 51 capítulos.

Los hermanos Edward y Alphonse Elric son niños precoces de la alquimia; las habilidades las heredaron de su padre, militar alquimista muy famoso que tuvo que partir a la guerra y que nunca volvió. Su vida pacífica se ve truncada por la repentina muerte de su madre. Incapazes de superar el trauma, deciden resucitarla con la alquimia y el intercambio equivalente, si saber las horribles consecuencias: son arrancados un brazo y una pierna a Edward, y el alma de Alphonse pasa a alojarse en una armadura. Aún así, persiguen el sueño de ver a su madre, y emprenden la marcha para encontrar la piedra filosofal, capaz de facilitar la alquimia sin necesidad del intercambio equivalente.

Reconozco que esta sinopsis es algo caótica y que introduce dos términos (alquimia e intercambio equivalente) que para los no introducidos les son incomprensibles. Durante todo el anime se está mencionando elementos y nomenclatura propia de ese mundo paralelo , pero ello no significa que uno se pierda entre tanta palabreja. O bien el fansub o al guión se encargan en ponernos al día y de aportarnos todo lo que se necesita saber.

El diseño de los personajes es fiel al manga, nada rompedor en la composición humana y sin apenas innovaciones en la estética anime-ojos-grandes. Esto no es un reproche, sino un alago por conseguir, con el dibujo, aportar una fluidez visual que ayuda al seguimiento de la trama. La dirección es correcta casi siempre, exceptuando ciertos momentos de tensión y las espectaculares peleas, donde se opta por un sensacionalismo efectista que nadie puede dejar pasar por alto.

Sin embargo, FullMetal Alchemist no es sólo una obra liviana. El conflicto interno de los personajes, su tensión entre el deseo y el deber (el giri japonés), sus relaciones personales articuladas alrededor de ese conflicto, el sufrimiento… Todo eso es lo que hace a este anime grande.

Al terminar la serie de forma algo inconclusa, Bones realizó un largo en 2005 titulado Conqueror of Samballa. De esa forma la historia tiene un claro final, imposible de aportar otra continuación. También, para aprovechar el tirón, se produjo 5 OVA’s de corta duración, obritas que no aportan nada a la trama y que sacian la curiosidad de los fans.

No me tiembla la mano al escribir que FullMetal Alchemist es uno de los mejores animes de estos últimos años. Aparte de entretenido, tiene una animación inmejorable, hay tensión, drama, giros de argumento, kleenex con lágrimas y mocos, risas, personajes entrañables, calidad argumentativa… ¿Se nota demasiado que me gustó?

Palmarés festival de cine de Sitges.

No me gusta mucho poner noticias que leo en otros blogs porque al final la blogosfera se acaba convirtiendo en un bucle de contenidos repetidos, pero como esto tiene mucho que ver con Escoria S.A. pues ahí os dejo el palmarés  de la sección oficial del festival de Sitges, gracias a Las Horas perdidas:

– Mejor película: The Fall de Tarsem Singh.

– Mejor director: Jaume Balagueró y Paco Plaza por REC.

– Mejor actriz: Manuela Velasco por REC.

– Mejor actor: Sam Rockwell por Joshua (El Hijo del Mal).

– Mejor guión: Chung Seo-Kyung, Park Chan-Wook por I’m a Cyborg but that’s Ok.

– Mejor fotografía: Toyomichi Kurita por Sukiyaki Western Django.

– Mejor diseño de producción: Takashi Sasaki por Sukiyaki Western Djiango.

– Mejores efectos de maquillaje: À L’Intérieur.

– Mejores efectos especiales: Mushishi.

– Mejor banda sonora original: Kuniaki Haishima por Mushishi.

– Mejor cortometraje: Saliva de Esmir Filho.

Si quereis todo el palmarés, ya sabeis,  Las Horas perdidas.

Zelda: the Phatom Hourglass

 

Señores, siento mi reciente ausencia por este espacio. Me encantaría excusarme diciendo que el inicio de las clases me está dejando poco tiempo para escribir. La verdad no la oculto detrás de posibles valores como la asistencia a la universidad, ésta es más oscura: he estado pajeandome viciandome con la última entrega de la saga de Zelda que recae sobre la Nintendo DS.

 

Me encantaría resumir mi opinión sobre el juego de esta manera: es espectacular y con pocas dudas está entre los cinco mejores que se hayan hecho de esta saga. Y digo entre los cinco porque me he saltado par de ellos y no estoy en condiciones de decir que es el mejor.

 

La historia se desarrolla a través de dos arcos argumentales. El primero comienza con la introducción del juego, en esta se explica como nos enrolamos en un barco capitaneado por una joven aventurera llamada Tetra, ésta, realmente es la princesa Zelda bajo una nueva identidad (tengo la teoría que en una rabieta adolescente con sus padres decidió abandonar el palacio real y consiguió convencer a alguno de sus amiguitos principes pusilámines, sobreprotegidos e inseguros de autoestima baja de que era mejor y más divertido dedicarse a la piratería y comer ratas y algas que quedarse en un lujuso castillo y guardar cierta compostura. La culpa, como siempre, tiene cierto peso en los padres.). Durante una travesía son abordados por un barco fantasma, culminando este con el rapto de nuestra capitana Tetra. Ahora no nos queda más que echarle unos kinder al asunto e ir en busca del barco fantasma para repartir unas ruedas de cachetones.

 

El segundo arco desvela el verdadero villano del asunto, un mostruo tentaculado de inspiración clarametente Lovecraftiana. Para plantarle cara tendremos que buscar, por lo alto y ancho del mundo, tres metales con el fin de forjar la Espada del Más Alla.

 

Grosso modo estos son los motores que mueven la acción del juego, no son muy buenos, pero total, bien poco que nos importa porque lo interesante en este caso son los medios, no el fin. Porque, basquita, el juego es completamente adictivo.

Si ya de por si las aventuras de Zelda suelen ser entretenidas, no puedo expresar con palabras el buen hacer que se hace de la consola a la hora de mezclar los puzzles y situaciones con las capacidades que ofrece esta. Tendrás que dibujar, gritar, que maniobrar una grúa en busca de tesoros escondidos en el mar, mirar por las dos pantallas mientras manejas otros personajes, mientras miras por donde tienes que ir, etc. Y lo mejor, todo en su justa medida, sin empalagar.

 

El apartado técnico a parte, porque vale que los gráficos son buenos, que coño, son muy buenos, hablando del nivel DS ojo. El sonido es OK, pero me decepcionó un poco, a la vez que me embargaba la nostalgia, ver que habían rescatados sonidos de entregas anteriores. A estos aspectos no habría que darles la mayor importancia siempre que el juego entrenga y creanme que lo hace.

En definitiva un grandísimo juego que ningún poseedor de la Nintendo DS debería perderse y por supuesto que todos los fanes de la saga tendrán que jugar y si no tienes la consola ¡¡¡TE LA COMPRAS O LA ROBAS!!!.

 

Heroes 203: Kindred

 

ATENCION: SPOILERS INSIDE.

Una semana más (aunque esta un poco más tarde) volvemos con Heroes. «Kindred» es un capítulo un poco de transición, las historias ya presentadas siguen avanzando, pero de manera lenta:

 

• Peter sigue redescubriendo sus poderes, pero sin recordar quien es. Aun no sabemos de quien ha tomado las habilidades eléctricas, pero empezamos a observar algo curioso, una oscuridad interior que puede ser derivada de estos meses en de los que no se sabe nada y promete marcar los acontecimientos venideros de la serie.
• Claire y su sosa historia para adolesctentes. Lo siento mucho, pero me puede el tema de «niñata conoce niñato que tambien tiene poderes y bla bla bal». Para dotarlo un poco de interes resulta que el crio volador también fue raptado por el padrastro de Claire y ella se da cuenta. Bueno, al menos esto parece que traera cola ya que al final del episodio descubrimos un cuadro de Isaac con nuestro gafotas favorito atravesado por una bala en pleno ojo, y con Claire en segundo plano enrolloandose con vete tu a saber quien.
• Hiro consigue que Takezo Kensei afronte su destino, pero es incapaz de volver a nuestro tiempo porque se enamora de la chica. Sinceramente, esta historia me ha soprendido, no se que cauce van a tomar los acontecimientos, los seguire con interes.
• Los nuevos, los mellizos mexicanos continuan con su periplo para cruzar la frontera, de momento nada especialmente destacable, pero seguro que acaban aportando aire fresco.
• Mohinder prosigue con su infiltración y es el que le proporciona a Beneth la foto del cuadro, ya que ahora tiene su laboratorio en el estudio de Isaac.

Realmente, lo mas importante del episodio es conocer los destinos de Nikki y Sylar, sobre todo el segundo me parece que tendrá aun un papel más importante ahora y acabará a galletas con el nuevo malo.

 

Conclusión, capítulo preparatorio para momentos mas grandes, se deja ver, no es cutre, como el primero, pero tampoco tiene la intensidad del segundo. Seguiremos atentos.

Alexander Senki (Reign: the Conqueror)

La curiosidad te inunda al saber que el diseñador de personajes y escenarios de esta serie es Peter Chung, y te dices: «Esto, como mínimo, es interesante». El caso es que lo es, pero no se sabe a ciencia cierta hasta dónde llega el interés y dónde empieza la calidad.

Alexander Senki fue concebido con la idea de crear el mejor anime adulto de la historia. Productoras japonesas, americanas e italianas participaron en el proyecto, y su principal objetivo era la emisión en canales estadounidenses. El proyecto no cuajó, y TOKYOPOP decidió comprarlo y seguir con el trabajo, manteniendo el doblaje original sólo hasta el capítulo 4 (tened en cuenta que la serie consta de 13). La crítica de Cartoon Network y de Adult Line la emitieron pero no obtuvo el éxito deseado.

Tan maltrecho anime es una adaptación de un libro de Hiroshi Aramata. La historia es una adaptación libre de la vida de Alejandro Magno: Alexander, príncipe y posterior rey de Macedonia, tiene el terrible destino de convertirse en el Rey Diablo y de destruir el mundo. Tan buena persona sufre luchas internas por esta profecía, se enfrenta a conspiraciones para matarle y evitar el desastre, conquista y conquista, se enamora, etc, etc, etc. Los asuntos personales son mera anécdota, esbozos, ante las majestuosas batallas y las comeduras de tarro sobre la salvación del mundo y el mundo en sí.

Es lógico que el relato no gira constantemente alrededor de Alexander, sino que son muy importantes los personajes secundarios, que mueven los hilos de la trama. Todos ellos son históricamente coetáneos a Alejandro Magno, así que no es difícil encontrarse con nombres conocidos, como Sócrates, por ejemplo.

Entonces, ¿qué aporta cómo nuevo Alexander Senki? Sin duda, el trabajo de Chung. Situado en la Edad Antigua, se adopta una estética futurista, con elementos electrónicos, pero respetando ciertas características de la época, como algunos elementos del vestuario. La ilustración es poco realista, con humanos muy estilizados, difíciles de ver, angulosos; es muy recargado y puede cansar a la vista, sin contar con el rechazo que puede causar.

Este anime no pasa desapercibido, para bien o para mal. Aquí es cuando cada uno opina. Desde mi punto de vista, el formato de 13 capítulos ayuda a que no te desmoralices con las pérdidas de hilo, con los nombres griegos raros y con la irritabilidad de los ojos por tal diseño.